miércoles, 31 de marzo de 2010

de la calle a las perchas

Vanessa Alice B. está lejos de la imagen típica de una graffiter, se va a pintar en tacones y impecablemente maquillada, sin embargo es una de las writers más conocidas: Miss Van.

Esta francesa de Toulouse empezó su precurso a los 18 años. Y, desde entonces, ha cambiado la cara a murales y expuesto en galerías en Francia, demás países de Europa y EE.UU. En el año 2004 lo empezó a hacer también en Barcelona, la ciudad donde ahora vive. Sus muñecas únicas son un reflejo de su personalidad y han madurado al mismo ritmo que Miss Van maduraba.

Hoy en día son más coquetas, más voluptuosas, más mujeres, pero también más misteriosas. Y justamente el lado oscuro y freak de estas poupées fue lo que la artista y Anaoana, una diseñadora de moda catalana, han querido explotar con su colaboración. Ambas jóvenes se han juntado y unidos sus talentos únicos para crear una línea de ropa y accesorios muy “urbana”. Graffiti y moda, dos formas de arte consideradas menores, se juntan así para crear colecciones singulares.

Sin comprometerse con temas o fechas, porque cada nueva producción depende del tiempo que los proyectos individuales de cada una deje libre, lo único que prometen son prendas muy originales. Para Miss Van un trabajo así, en el área de la moda, no es novedad. Ya antes había colaborado con la marca italiana Fornarina, habiendo visto sus diseños impresos en prendas que se vendieron en todo el país y también fuera de las fronteras, allá donde Fornarina distribuye. Pero ahora tiene la ventaje añadida de trabajar con una amiga. ¡Y eso se ve! No apenas en las prendas, pero principalmente en las sesiones fotográficas y en las acciones con que divulgan su aventura conjunta. Ambas se parecen más a un juego entre amigas que a un proyecto profesional. Aunque resulten. Y aunque la calidad de lo que fabrican y de su proceso de venta sean indiscutibles.

Sus prendas femeninas y masculinas, donde podemos ver a las muñecas de Miss Van actuando en un circo burlesque con ligeros aires de freak show, pueden ser adquiridas online (ver enlace)
o en glint, la tienda que Anaoana comparte con otros jóvenes diseñadores en el barrio gótico barcelonés (c/ banys nous, 22).

Las propuestas de MVA van desde las camisetas en algodón, pasan por los leggings en poliéster y terminan en las bandoleras en piel. La paleta de colores utilizada también es amplia, como que salida de los miles de sprays que Miss Van utiliza para sus creaciones callejeras. En fin, prendas para todos gustos y ocasiones que en común tienen muchos detalles ultra femininos, como pechos insinuantes o labios y mejillas en rojo vivo. Para todas aquellas que, como yo, creen que ambas formas de expresión pueden muy bien ir juntas (y, también, ir muy bien juntas).


martes, 30 de marzo de 2010

políticamente correcto

Carla Bruni llegó hoy a Nueva York acompañando a su presidencial marido y, según ella, aprovechará la oportunidad para buscar nuevos mecenas para su Fundación recién creada. 

La ex modelo y primera dama francesa tiene desde octubre pasado una nueva ocupación, su Fundación Carla-Bruni Sarkozy para la alfabetización de los menos favorecidos. Una labor políticamente correcta que también ayudará la première dame francesa a apartarse de la imagen superficial que tiene ahora. 

Al cabo de dos años viviendo en el Eliseu, Carla quiso ahora (y sólo ahora) utilizar su imagen para algo más que desfilar las más recientes creaciones de las mejores marcas. Según sus propias palabras decidió (finalmente) utilizar su unión con el presidente francés para “luchar por la causas que le son cercanas”, como la exclusión o la lucha contra el SIDA. “Gracias al nombre Sarkozy puedo hacer el bien. La posición en que la me encuentro gracias a mi matrimonio me da la posibilidad de conocer a gente que, de otra manera, jamás conocería; de dar una voz a quién no la tiene; de movilizar la atención pública para las causas que traigo en mi corazón”, dijo. Una opción que tomó de forma totalmente autónoma: “nadie me impuso nada y nadie me lo prohibió”, explicó. Sin embargo, que llega de forma providencial en un momento crítico de la carrera de su marido. 

En una entrevista que salió publicada sábado en la revista Madame Le Figaro, el suplemento femenino del conocido periódico francés, cuando cuestionada sobre si apoya la re-candidatura de Sarkozy, Carla volvió a salir airosa. Dijo que le respaldaría en su decisión y que en todos casos aprovecharía la oportunidad para ayudar los demás. Y ante la pregunta (que no quería callar) de la periodista, sobre por qué sólo ahora empieza su labor social, Mme Sarkozy se quejó de los ritmos de la vida política, de la violencia mediática hacía su marido y de su condición de mujer eternamente entre dos mundos, el de la moda y el de la política. 

Bueno, aunque en mi opinión se haya puesto las pilas un poco tarde, si logra que su labor sea tan irreprehensible como su estilo, al menos podemos tener la confianza de que hará un buen trabajo. No sería el primer ejemplo de mujer involucrada en la vida política cuyas buenas ideas son proporcionales al buen gusto. 

Su amiga Michelle Obama es la personificación de una primera dama que sabe, desde el inicio, utilizar su poder mediático para apoyar a creadores de moda con talento y también en favor de gente algo menos favorecida. Este mes lo demostró, en un evento que fue un plato lleno para la prensa generalista bien como para la prensa del corazón y de moda. Una acción aparentemente simple que se habrá revelado muy inteligente a la hora de contabilizar los clippings generados. 

El pasado día 10, la primera dama norteamericana donó el vestido blanco de Jason Wu en seda y chiffon, de un hombro y con efectos florales que utilizó en el baile inaugural, en que su marido fue investido, al Smithsonian. 

El vestido, una obra prima de este joven diseñador nacido en Taiwán, hará parte de una exposición que contiene atuendos utilizados por varias primeras damas, desde los tiempos de Mamie Eisenhower. En el evento llamó la atención para la importancia del sueño americano, diciendo: “Alguien en esta sala puede ser el próximo Jason Wu. O el próximo Barack Obama. Hoy señalamos el hecho de que la historia de EE.UU. esté escrita por personas reales. Hoy conmemoramos el hecho de que algo que se cree ahora, sea un vestido, un cuadro, una historia o una canción, pueda afectar las generaciones futuras y enseñarles una lección singular."

Otra épouse de chef d’État que parece saber juntar el útil al agradable es Rania de Jordania. Excluyendo su pequeño fallo, a nivel de protocolo y no del estilo, en la boda real española, a la Reina Rania no se le puede apuntar defecto. Tampoco a su labor como portavoz de causas sociales y humanitarias. 

Desde su boda con el rey Abdullah, Rania ha aprovechado todas oportunidades para mejorar la vida del pueblo jordano. Sus intereses y campos de acción van desde la educación, pasando por el trabajo, el medioambiente, la sustentabilidad y terminan en la micro economía. Sus acciones son tan variadas y constantes que llenarían todo el post. 

Y, en todo lo que hace, tiene la preocupación de respaldarse con los medios de comunicación (incluso con los más modernos, como Facebook o Twitter); asegurándose así de que el mensaje llega a todo el mundo, de que no apenas sus fotos posando de guapa y vistiendo las mejores marcas ultrapasan fronteras.


lunes, 29 de marzo de 2010

tiendas de premio

Hoy se ha otorgado el premio Pritzker, el Pulitzer de la Arquitectura, a Kazuyo Sejima y a su socio Ryue Nishizawa. Juntos han fundado hace 15 años el estudio SANAA (Sejima and Nishizawa and Associates) y, aunque cada uno mantiene proyectos propios y firma sus viviendas individualmente, juntos son responsables por una arquitectura de vanguardia.

La historia de este premio (creado en 1979 por la Fundación The Hyatt) se relaciona con la Familia Pritzker, propietaria de la Fundación y también de la cadena de hoteles Hyatt, y con su convicción de que la arquitectura era una arte creativa hasta entonces no prestigiada de ninguna manera. Por eso, desde su inicio, el Pritzker prestigia anualmente un arquitecto vivo cuyo trabajo haya demostrado talento, visión y compromiso. O sea, alguien que haya contribuido sistemática y significativamente para el bien de la humanidad y del medioambiente a través de la arquitectura.


El de este año será entregado día 17 de mayo, en una ceremonia en la Ellis Island de Nueva York, no a una sino a dos personas. Sin embargo, no es la primera vez que se premian duplas o dos arquitectos. En 1988 Oscar Niemeyer y Gordon Bunshaft recibieron ambos este honor. Y en 2001 Jacques Herzog y Pierre de Meuron, socios en su firma suiza, también han sido seleccionados. Esta tampoco será la primera vez que se entregará a arquitectos japoneses. Lo han recibido ya Kenzo Tange (1987), Fumihiko Maki (1993) y Tadao Ando (1995).

Según el jurado, compuesto por algunos de los nombres más sonantes de la arquitectura, Sejima y Nishizawa se merecen este galardón por su trabajo que es “simultáneamente delicado y poderoso, preciso y fluido, ingenuo pero no pretenciosamente inteligente y por la creación de edificios que interactúan con su contexto y con las actividades que contienen, posibilitando un sentimiento de riqueza experimental”.

Lord Palumbo, Alejandro Aravena, Rolf Fehlbaum, Carlos Jimenez, Juhani Pallasmaa, Renzo Piano, Karen Stein y Martha Thorne refirieron aún la importancia de la luz y de la transparencia en el trabajo de estos dos japoneses, que las exploran a diario y las intentan llevar hasta nuevos límites.

La noticia de que recibirían un Pritzker, otorgado en otros años a profesionales tan importantes como el español Rafael Moneo, el americano Frank Gehry (Museu Gugennheim de Bilbao), el portugués Álvaro Siza Vieira (Proyecto del Nuevo Paseo de la Castellana de Madrid) o el francés Jean Nouvel (Torre Agbar de Barcelona), fue recibida por la dupla de arquitectos con humildad y mucha satisfacción. Sejima dijo, “he estado explotando de que manera puedo crear arquitectura que sea abierta y este premio sólo me viene a incentivar más”. También su compañero profesional, Nishizawa, subrayó esta característica: “Este premio fantástico me ha dado una dinámica y energía que nunca he sentido antes”, añadió.

Aunque la mayoría de la obra de SANAA esté en Japón, los arquitectos han empezado recientemente a construir en Europa y en EEUU. En España, por ejemplo, han firmado el proyecto de ampliación del IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderna) y en Portugal el nuevo edificio multifunciones de la Fundación Serralves (en Oporto).

En el sector de la moda también han dejado su marca. Prada, Christian Dior e Louis Vuitton les han encargado ambiciosos proyectos. Para la primera marca han idealizado una tienda amplia y luminosa en Hong Kong, en cuya inauguración las prendas “desfilaron” sobre las cabezas de los invitados colgadas de unos carriles en el techo. Para la segunda crearon todo un edificio de ocho plantas de cristal en la calle Omotesando, una de las más elitistas de Tokio. Y para la tercera idealizaron otra finca, compuesta por rectángulos encajados unos en los otros, donde se juega con los volúmenes y con la relación entre el interior y la calle (en la foto).

Pero no apenas Sejima y Nishizawa juntan arquitectura y moda. De los cuatro cantos del mundo nos llegan otros ejemplos de tiendas arquitecturales. En Tokio la tienda de la marca Camper fue diseñada por Jaime Hayon y la de Tod’s por Toyo Ito. Allí también la marca Louis Vuitton tiene un edificio entero diseñado por los holandeses UNStudio y, en la Bond Street de Londres, tiene otra tienda concebida por Peter Marino, un arquitecto que ya trabajó con Chanel, Dior y Fendi. Otra marca que también cuenta, en la capital británica, con una tienda diseñada por una dupla de éxito es Lanvin. El verano pasado abrió las puertas de un espacio firmado por Pierre Beucler y Jean-Christophe Poggioli, igualmente responsables por la Dior Homme de Tokio y las Comme des Garçons y Cacharel de Paris. En Las Vegas, la tienda de Miss Sixty fue concebida por el estudio Giorgio Borruso Design, que en 2004 se ganó un premio al mejor diseño de tienda por este trabajo.

Balenciaga es otra precursora en la colaboración con profesionales de renombre y, recientemente, trabajó con Dominique Gonzalez-Foerster y el diseñador de luz Benoit Lalloz. En Seúl, Prada contó con la ayuda de Rem Koolhaas y su Office for Metropolitan Architecture para transformar a un antiguo palacio en tienda de lujo. Ya en 2001 la marca italiana había colaborado con este arquitecto, en la construcción de su tienda de Soho. En la 5ª Avenida de Nueva York, Armani tiene una tienda de Doriana y Massimiliano Fuksas, con quienes trabaja desde hace mucho ya. También Marc Jacobs tiene una relación profesional antigua con Stephan Jaklitsch Architects, Stella MacCartney con APA London Architects, quienes también hacen trabajos para Adidas, y Hermès con Rena Dumas.

En Barcelona encontramos a tres colaboraciones que me gustan particularmente. La H&M de Portal de l’Àngel, que por obra y gracia de un proyecto de Mariscal logró poner el antiguo edificio sed de la Compañía Catalana de Gas en el mapa de moda y design de la ciudad. La tienda de Lurdes Bergada y Syngman Cucala en el Centro Comercial L’Illa, concebida por el estudio de arquitectos y diseñadores de interiores Deardesign. Y la tienda temporal que Santa Eulalia abrió mientras su antiguo edificio se está reconstruyendo. Un proyecto sostenible de Tarruella & López Interioristas que, aparentemente, no tiene nada de efímera.

Esta última tienda es igualmente un buen ejemplo de cómo no apenas la construcción es importante. También los materiales utilizados y lo que se pone dentro pueden hacer la diferencia. Que digan las que ya se han sentado en los banquillos de papel kraft o han podido mirar los bolsos y zapatos de ensueño dispuestos en estanterías hechas con el mismo material. Un lujo para todos los sentidos.

Así se prueba que la colaboración entre arquitectura y moda no se queda sólo en las tiendas. En los últimos años hemos visto también a escaparates e instalaciones en las pasarelas que son verdaderas obras de arte y creatividad.


domingo, 28 de marzo de 2010

peso sobre los hombros

Habitualmente sinónimo de carga o de responsabilidad difícil de soportar, esta expresión adquiere un nuevo significado este año. Esta Primavera/Verano un peso sobre los hombros es algo que todas queremos llevar. 

Las hombreras han suscitado diferentes reacciones durante las últimas décadas. Al inicio de la década de 80, cuando un grupo de diseñadores americanos intentó introducir este accesorio de moda que hacía que los hombros de las mujeres se parecieran a los de los jugadores de rugby, la reacción general fue reírse de ellos. Lo que proponían era engrandecer los hombros femeninos a un nivel nunca antes visto, sin embargo han visto que con las hombreras también se conseguía ocultar determinadas imperfecciones de postura y suavizar la estructura ósea de la línea del cuello y el efecto gustó.

Mientras la mayoría de las mujeres seguía creyendo que ponerse hombreras era como firmar una carta de suicidio de estilo, las fashionistas de la época decidieron arriesgar y empezaron a pegar con velcro a sus camisas, americanas y jerseys estos pequeños cojines en forma de media luna.

Este tipo de soportes para hombros han podido verse claramente durante toda la década.  Pero, aunque entre 1991 y 1993 todavía se encontraban algunos ejemplares de hombreras grandes, en los años siguientes han prácticamente desaparecido de los armarios de las mujeres. Sin embargo, no creo que estas las hayan tirado. Las habrán guardado en alguna caja en el fondo de sus armarios para ahora sacarlas a lucir.

En 2009 las hombreras han vuelto. ¡Y cómo han vuelto! Enormes y en todo tipo de prendas. No apenas en las americanas de las ejecutivas o demás mujeres de poder, donde nunca han dejado de estar presentes al cien por cien. Pero en 2010 las hombreras salen de su escondite por debajo de la ropa y brillan desde afuera, literalmente.

En las colecciones Primavera/Verano 2010 de Givency, Elie Saab, Balmain (en la foto), Dsquared² o de la española Alma Aguilar las hombreras aparecen más pesadas que nunca, decoradas con todo tipo de cristales, piedras, pieles y tules. Propuestas exquisitas, que denotan un grande y complejo trabajo manual y que dan a las prendas un aire de traje guerrero moderno.

Esta fue quizás la manera encontrada por los diseñadores de coger una referencia del pasado y de adaptarla al presente, a las actuales exigencias y gustos.  Las hombreras de los 80, tal cual eran utilizadas, no harían cualquier sentido en el siglo XXI. Como explicó en 1937 James Laver, un respectado historiador de moda, todo en este mundo es cíclico. Sin embargo, cada ciclo tiene una duración que debe ser respectada. 

Laver estableció limites para cada periodo y creó una tabla que nos ayuda a saber cuando determinada prenda puede ser revivida y volver con clase. Según él, si utilizamos la prenda X diez años antes de que vuelva a estar de moda conseguimos un estilo que podrá ser definido como indecente. Cinco años antes, vergonzoso. Un año antes, osado. En el momento ideal, inteligente. Un año después, sin gracia. Diez años después, horroroso. 20 años después, ridículo. 30 años después, divertido. 50 años después, pintoresco. 70 años después, encantador. 100 años después, romántico y 150 años después, bello. 

En lo que respecta a las hombreras de los 80, al revivirlas ahora estaríamos incurriendo en el pecado mortal de la moda correspondiente al período de los 30 años después. O sea, lograríamos como mínimo divertir a las generaciones futuras cuando estas miren hacia atrás y analicen nuestro estilo. Esto si no fuera los principales diseñadores haber sacado este truco de la manga y haber hecho de la vuelta de las hombreras algo romántico y bello.

De esta manera han logrado que este año no apenas las nostálgicas de los 80 quieran llevar tremenda carga sobre los hombros. Nosotras también.


viernes, 26 de marzo de 2010

i'm in plastic, it's fantastic

Ellas son rubias, tienen los ojos azules, las medidas ideales y visten Chanel, Dior, Escada y Givency, entre otras marcas. Pero no estoy hablando de modelos convencionales. Estas son de plástico.

El año pasado han estado expuestas en galerías de arte por todo el mundo más de mil Barbies. Esta muestra, que conmemoraba el 50 aniversario de la muñeca, reflejaba claramente todo lo que la sociedad y las mudanzas del tiempo han podido influenciar a las Barbies, a sus accesorios, a sus profesiones, a su forma de comercialización, y también lo mucho que las Barbies influenciaron a las mujeres de hoy.

Por ejemplo, creo que todas nosotras podemos decir con seguridad que nuestro primero contacto con la moda y el estilo fue a través de nuestras Barbies. En mi caso particular esto es totalmente cierto y más porque, cuando yo era pequeña, mi abuela viajaba una vez al año a Nueva York y me traía todo lo que de más moderno fabricaba Mattel.

Y yo me pasaba las tardes vistiendo a las Barbies, costumizando sus atuendos, cambiándoles el pelo… Llegué incluso a costurarles unas cuantas mini prendas y a hacer un desfile, cuyas fotos guardo hasta hoy.

Fue por creer en el didactismo de este tipo de juegos que Ruth Handler creó en 1959 esta muñeca tridimensional, a la cual dio el nombre de su hija (Barbie es diminutivo de Barbara).

Como lo que pasaba con las muñecas medievales en porcelana o con las de cartón, cuyas prendas tenían un enganche para que se pudiera vestir al maniquí, las Barbies también tenían como principales objetivos vender las ropas que estaban de moda y permitir a las niñas auto-proyectarse como futuras adultas.


Así nació un mito

El best-seller de Mattel vendió hasta hoy algo como 3.600 millones de dólares. Pero seguro que su creadora no se imaginó tremendo éxito cuando presentó por primera vez, en la Feria del Juguete de Nueva York, a una simple muñeca de 29 cm, en vinilo, vestida con un bañador a rayas, mirando hacía la derecha, peinada con una coleta, impecablemente maquillada y con unas cejas tipo boomerang.

La verdad es que, desde entonces, Barbie no ha parado de reflejar los ideales de vida y de moda de las sucesivas épocas.

Sino veamos, en los años 60 tenía una imagen en todo semejante a la de la primera dama norteamericana Jackie Kennedy. Y cuando la gente empezó a demostrar interés por la práctica de actividades al aire libre, también ella se quiso divertir fuera de puertas. Se ganó un carnet de conducir cuando esto era apenas un miraje, o ni eso, para muchas mujeres de carne y hueso. Y en una época que el cielo empezó a ser el nuevo límite de las jóvenes educadas y bien puestas, también Barbie se hizo azafata.

En 1961 apareció el primer compañero de aventuras de Barbie y su eterno pretendiente. Para hacer a Ken, Ruth se inspiró parte en James Dean y parte en su hijo con el mismo nombre. Pero a mediados de la década surgieron nuevos amigos y familiares para la muñeca, que adquirió también piernas que se doblaban por la cintura.

En 1967 su cuerpo ya se doblaba y giraba totalmente para que ella pudiera bailar el twist, que estaba tan de moda en el mundo real. Barbie también empiezó a aparecer cada vez más delgada, a semejanza de la súper modelo de la época Twiggy, y vestía pantalones elásticos Mary Quant.

La juventud

En la década de 70 ya los codos de Barbie se podían articular totalemente y sus tobillos se doblaban, dándole más movilidad. Esta nueva versión Action era la más buscada.

La gran novedad de estos años fue a nivel de la mirada de la musa, que se centró. Sin embargo, lo que en ella traducía de verdad las tendencias de la época era el corte de pelo (escalado) y el hecho de que este “creciera”. Aparte del detalle de que ella empezara a vistirse con pantalones vaqueros.

En 1977 Barbie sufre su última gran transformación. Aparece finalmente con los brazos curvados (que se situaban simultáneamente en las caderas y en el pelo), adquiriendo la imagen que mantiene hasta hoy y que la mayoría de nosotras guardamos en la memoria.

En una década que Andy Warhol definió como la Era de las súper estrellas, Barbie no fue excepción.


Los años 80

Cuando el patinaje artístico, el disco y las series Dallas y Dinastía daban que hablar, Barbie vuelve a adaptarse.

La muñeca comenzó en esta época a tener más prendas de ropa, que cada una podía y debía combinar como quisiera. Aquí fue cuando Barbie empezó realmente a contribuir para la construcción de la idea de moda de las niñas.

También Ken sufrió cambios. Se empezó a percibir en él el interés por el culturismo, ya que surgió con músculos y halteres acompañándole.

Y Barbie se internacionalizó. Fueron fabricadas muñecas representativas de varias nacionalidades, con rasgos ya no tan comunes a las norteamericanas típicas, en las cuales mujeres con distintas fisonomías se podrían rever. “From urban teen to fantasy queen, she’s every girl”, dijo una vez sobre ella su creadora.

Sin embargo, la gran novedad de la época, aquello que mejor tradujo el espíritu que se sentía, fue el lanzamiento de la Friendship Barbie. Venía con un vestido de corazones y su objetivo era presentar todas las ventajas de la apertura a los países de Leste. En 1989 cayó el muro, Boris Becker y Steffi Graf hacían historia y era importante que las niñas, que hasta entonces apenas tenían contacto con las maravillas del capitalismo, entendieran que no hacía cualquier sentido una oposición Oeste-Leste.

Hoy en día, Barbie sigue llegando a chicas de todas clases sociales, pudiendo contribuir para cambiar sus formas de ver el mundo, la feminidad, la moda, etc. Como otras mujeres guapas, es portada de Vogue y demás revistas importantes (Ver enlaces: Vogue Italia, Vogue Japán, Vogue Italia, Vogue Reino Unido). Y ¡viste perfecta! Como en el año pasado, por ejemplo, cuando para conmemorar su 50 aniversario fue puesta en manos de los principales creadores norteamericanos (Ver enlace).


jueves, 25 de marzo de 2010

¡la modelo va desnuda!

Spencer Tunick, el conocido fotógrafo que se hizo famoso por transformar en obras de arte a grupos de hombres y mujeres desnudos, vuelve con un nuevo proyecto. La galería Lowry, en la ciudad inglesa de Salford, que conmemora este año su 10 aniversario le encargó algo especial y el artista ya empezó a trabajar en ello. Lleva semanas reclutando voluntarios, habitantes de las ciudades de Manchester y Salford, que en el fin de semana de 1 y 2 de mayo llevará hasta ocho puntos distintos de la región y agrupará para una fotografía conjunta y en simultaneo. Un trabajo con un concepto nuevo e improcedente en su carrera, pero con la misma técnica de siempre, el recurso al desnudo.

Para la curadora de la exposición donde estará la instalación final de Tunik, esta es la oportunidad perfecta para englobar una obra de arte de reconocimiento internacional y para formar parte de la red de participantes en las acciones de Tunik, dice procurando incentivar a los más vergonzosos. Y me refiero a estos porque a los que son un poquito más desinhibidos no les hace falta mucho incentivo o argumentación. Yo creo que nos sorprenderíamos con la cantidad de gente que se libraría de sus atuendos de buen grado si las leyes lo permitieran.

En España la constitución sí que lo permite. O mejor dicho, no lo prohíbe. Y como en democracia lo que no está prohibido está permitido, cualquiera que quiera salir por las calles a pasear desnudo lo puede hacer.

Muchas son las formas de aprovecharse de esta laguna (intencional o no) de la ley, y pueden envolver desnudarse totalmente de prejuicios o apenas prescindir parcialmente de las ropas. Barnamob dio el mote y en el pasado mes de enero hizo una propuesta indecente a sus seguidores: viajar en el metro de Barcelona sin pantalones vestidos. El reto fue aceptado por 257 personas y durante una tarde se pudo ver por toda la red de metro de la ciudad condal a un verdadero desfile de bragas y boxers.

No apenas empresas de marketing y de organización de eventos se han fijado en la importancia que viene adquiriendo la desnudez. Miembros de la Federación Española de Naturismo explican esta tendencia como la necesidad de sentirse más leve de responsabilidades y ataduras. Pero también como una forma ideal de contacto con la naturaleza, con nuestros orígenes y la forma más pura de cada uno.

Yo creo que paso de ver el lado más puro de mi jefe o del carnicero del supermercado delante de casa. Sin embargo, es bueno saber que este año está permitido enseñarlo todo o casi todo. Mostrar o insinuar más no tiene por qué tener una connotación apenas sexual, sino que puede traducirse en un empujón para nuestra auto-estima y ayudarnos a causar mayor impacte en aquellos con quienes nos relacionamos.

Enseñándolo todo seguramente lo que lograríamos no sería positivo, sin embargo dejar apenas partes estratégicas a descubierto puede "decir" muy bien de nosotras. Por ejemplo, Loewe propone que esta temporada dejemos la lencería aparecer, por encima de la ropa o asomándose como que ligeramente avergonzada por entre las demás prendas. Lo que hace media década era de poco gusto hoy es moda; y llevar a la vista los tirantes del sujetador lo único que "dice" ahora es que estamos informadas y seguimos las tendencias. 

En mi caso particular confieso que a pesar de considerar bellísimas algunas propuestas de Loewe, principalmente el mini corpiño de la campaña publicitaria que la marca lanzó en todas las revistas, no termino de aprobar la desfachatez con que la lencería se presenta este año. Sin embargo, soy totalmente fan de la insinuación chic que podemos conseguir con las prendas de encaje o red. Materiales que tradicionalmente estaban escondidos, bajo las faldas de las señoras, salen a la luz y brillan más que cualquier otro este año. Todo sin nunca perder la clase y la compostura. Ni en verano, tal y como nos lo prueba Stella McCartney, ni en invierno, como anticipa Alexander McQueen


miércoles, 24 de marzo de 2010

de pies a cabeza

Para que seamos reconocidas por nuestro estilo no hace apenas falta que vayamos vestidas a la última o con las mejores marcas. Muchas veces tiene más gracia aquella que va totalmente vestida con prendas de segunda mano. En cualquiera de los casos lo que es importante es fijarse en los detalles. ¡De arriba abajo!

Durante siglos lo que las mujeres llevaban en la cabeza fue objeto de una escrupulosa selección. Y, aunque últimamente este tipo de accesorios parezca haber caído en desuso, este año vuelven las diademas, turbantes y tocados.


Cada uno de estos ítems tiene una larga historia. Desde siempre han sido utilizados para proteger a las mujeres y a su pelo, contra los distintos climas, la polución o las miradas indiscretas, como pasa aún hoy en países cuya religión no permite que estas enseñen la cabeza. Pero también sirven para pasar un mensaje, de modestia o bien de poder. Por ejemplo, las diademas de hoy tienen su origen en las antiguas tiaras, utilizadas por la nobleza para hacerse distinguir. Los turbantes viajaron desde el oriente de los maharajaes hasta las calles del occidente y se han democratizado. Y los tocados, que ya eran utilizados por los griegos, han ultrapasado los tiempos, sufrido mutaciones y llegado a los días de hoy más modernos que nunca.

Nicolas Vaudelet, el director creativo de la marca El Caballo, no se quedó indiferente a esta tendencia y adornó las cabezas de las modelos en su desfile de la colección Primavera/Verano con sombreros y tocados muy originales. Autenticas obras de arte concebidas por una maestra de los accesorios para el pelo, la francesa Odile Gilbert.

Todas las piezas estaban hechas con pelo natural, como las que generalmente crea Odile, o no fuera ella peluquera de profesión. En 1975 empezó a trabajar como asistente de Bruno Pittini pero pronto desarrolló el gusto por los accesorios de/en pelo y el talento para concebirlos. Su línea Odile Gilbert Créations, lanzada en 2001, le trajo el reconocimiento máximo y le valió importantes invitaciones. Como la que le hizo Sofia Coppola en 2005, para directora de arte responsable por el personaje de Marie Antoinette en la película con el mismo nombre, o como la de Jean Paul Gaultier, que en 2006 le encargó todos los tocados del desfile de su línea de Alta Costura Otoño/Invierno.

Este año Odile y su trabajo vuelven a brillar, esta vez de la mano de El Caballo. La artista firmó todos los (nada tradicionales) sombreros de marineros y los pájaros que llevaban las modelos en el desfile de la marca en la 50ª edición de Cibeles. Algunas de sus piezas me recuerdan a mi compra fetiche del año pasado, un pajarito hecho con finos hilos grises de la marca Hoss Intropia que puede llevarse como broche o como tocado. Un detalle que tiene el poder de dar alas a nuestra creatividad.

También Karl Lagerfeld vio potencial en este accesorio y por eso engalanó el pelo de sus modelos en las presentaciones de las dos colecciones Chanel de verano con originales tocados. En el desfile de Alta Costura hemos visto a varias “Minnies” con enormes lazos y en el de prêt-à-porter pequeñas diademas y tocados de brillantes contrastaban con la atmosfera ranchera y daban el punto de clase al desfile. Y si Chanel dice que el tocado es el accesorio perfecto para llevar encima este año, no nos queda otra sino "llenarnos la cabeza de pájaros".


martes, 23 de marzo de 2010

cenicienta

Desde pequeñas que todas sabemos de memoria esta historia. La hemos escuchado miles de veces, con finales más o menos felices según la interpretación que hayan querido darle en su momento profes, padres, abuelos, tíos o quién nos la haya contado. Pero una cosa que es común a todas versiones es el zapato que cenicienta se dejó para tras, olvidado en las escaleras del palacio. Y también todas sabemos que está hecho de cristal. Todas menos Joana Vasconcelos. La artista plástica portuguesa tiene otra idea del accesorio de moda más importante de toda la literatura infantil.

En 2007, Joana creó su propia interpretación del zapato de cenicienta. Una obra que tiene 270 x 150 x 430 cm y que está formada por ollas de acero inoxidable y sus tapas. Una combinación de materiales improbable que resulta en una pieza sorprendente. ¿Quién más podría tener la idea de hacer un zapato de cenicienta así?

La artista es eximia en esto, en coger objetos del imaginario colectivo (como en el caso de este zapato) o del imaginario portugués (como el corazón de filigrana, utilizado como pieza de joyería en el norte del país) y transformarlos en grandes obras de arte compuestas por materiales típicos de la sociedad de consumo.

Un ejemplo muy claro de su estética y sentido de humor es la pieza “La novia”. Se trata de un candelabro enorme formado sólo por tampones OB. Una de las muchas creaciones suyas que ha viajado por todo el mundo y rendido premios y reconocimientos para esta portuguesa. Y una de las obras que se expone hasta día 18 de mayo en Lisboa.

Para los que tengan pensada una escapada de fin de semana a la capital de Portugal esta muestra es un paraje a considerar. Se trata de la primera exposición antológica de la artista, que empezó su trabajo a mediados de la década de 90. Un recurrido, proporcionado por el Centro Cutural de Belém – Museu Colecção Berardo,  por obras tan importantes como Contaminação, Jardim do Éden o Coração Independente, que fue recientemente subastada en Londres y comprada por 192 mil euros.

Esta es también una forma alternativa de entender mejor los portugueses y su iconografía, una vez que en sus obras Joana retrata a menudo los trajes o accesorios típicos de la gente del país y en la construcción de las mismas utiliza muchas veces materiales que nos son tan próximos como el encaje o el crochet. Cada trabajo suyo es una oda al folclore típico del país. Conocerlas es dar un paso adelante en el reconocimiento de que la moda y, en este caso, la forma como ella es retratada son un reflejo de la sociedad y de la alma del pueblo. Joana no crea moda, pero esculpe su versión de la moda que otras crearon hace mucho años, cuyas orígenes se quedaron olvidadas en un pasado lejano y que está tan enraizada que adquirió carácter de tradición.



Para los que quieran ver a las varias versiones del zapato de la cenicienta (una de las cuales estuvo expuesta durante el verano de 2007 en Barcelona, en los Jardinets de Gracia) o conocer un poco más de la obra de esta artista portuguesa, recomiendo una visita a su página web oficial. (Ver enlace)


lunes, 22 de marzo de 2010

banda sonora original

Si hay algo que desde hace dos años, año y medio, viene ganando protagonismo como accesorio de moda, ese algo son los cascos. No los cascos de moto, aunque esos también digan mucho de nosotras mientras van tan callados colgados de los brazos… me refiero a los otros, a los cascos de música.

Me acuerdo de un anuncio de SONY de los años 90, donde podíamos ver a un joven caminando bajo la lluvia pero que, como iba con los cascos puestos escuchando el sonido que producía su Walkman, no se mojaba. Era como si por encima suyo hubiera constantemente un trozo de cielo azul y de sol que mantenía apartadas a las nubes oscuras. El eslogan decía algo como: nada más importa.

Algo semejante a esto es lo que siempre siento cuando salgo a pasear por la ciudad con mis cascos retro puestos. Hay muchos tipos de cascos pero, de todos ellos, los cascos de cabeza son los que tienen más calidad y potencia. El sonido que producen nos envuelve, nos aísla de los demás y nos ayuda a crear un mundo sólo nuestro, con banda sonora incluida.

Y, este fin de semana, he comprobado que no soy la única que piensa así. Por las calles de Barcelona se puede ver a todo tipo de gente enfundada en sus cascos. Chicos con zapatillas gordas y de colorines, que pasean su urban style Paseo de Gracia arriba y abajo. Chicas con manoletinas que van entrando puerta sí puerta sí, sin ni siquiera quitarse los cascos, dejando que la música de su mundo privado se sobreponga a la música de las tiendas.

Los diseñadores ya hacen eco de esta tendencia social y transportan a los maxi-cascos desde el cuotidiano de las calles hasta las principales semanas de moda, como hicieron Dsquared² en su penúltima colección. En este desfile los hermanos Caten llenaron la pasarela con íconos de la cultura pop. Cigarrillos, iPods, iPhones, revistas que se aguantaban bajo los brazos, periódicos que se dejaban ver semi-saliendo de los bolsos y decenas de Frappuccinos y Caffee Lattes de Starbucks compartieron protagonismo con los cascos en la presentación de la colección Otoño/Invierno 2009 de la marca. Una buena idea que, sin embargo, se tradujo en un espectáculo demasiado cargado de iconografía urbana y publicidad, casi como si de una de esas películas saturadas de product placement, donde uno no logra abstraerse y concentrarse en las escenas, se tratara. Sin embargo, quedó claro el guiño a los maxi-cascos de toda la vida e implícita la sugerencia de que hay que sacarlos del armario de casa de nuestros padres donde llevan años “guardados”.

Los olvidados cascos de cabeza están claramente de vuelta para apartar las nubes oscuras de encima nuestro y para llenar las ciudades de color. Vienen más chillones que nunca, para hacerse escuchar (porque cuanto más potentes son más sonido dejan escapar) y ver.

Swarosvki tiene la propuesta más arrojada de todas. Los DJ Headphones son todo un lujo de cascos, están compuestos por miles de mini cristales rosas y valen 1.670 euros. Un accesorio esencial para las que creen que “Fashion Rocks”.

Las marcas de tecnología de sonido y de ropa/accesorios de deporte también tienen algo que decir, pero sus propuestas son algo más económicas para que apenas tengamos dificultad a la hora de elegir el color y diseño que más nos guste. Después sólo hay que salir por ahí y llenar los días con una banda sonora muy original.


BE STUPID

Otra forma de traer algo de música para nuestros paseos fue la encontrada por Diesel este domingo. Un flashmob que esperaba llenar la Rambla de Canaletes de música pero que lo único que logró fue crear un atasco inesperado para los (im)pacientes conductores domingueros.

Este "viral" que pretendía contagiar a quién pasaba y a quién había ido hasta ahí, incluso bajo la lluvia, en la esperanza de hacer parte de algo un poco parecido a la acción que protagonizaron Oprah Winfrey y los BEP el año pasado en Chicago (Ver video), no funcionó.

La idea de los marketers de la marca italiana era buena. De hecho, es lo que se está haciendo por todas partes, no hace falta serse muy inteligente para copiarlo. Pero la organización fue pésima. Falta de permisos y falta de noción de cómo hay que montar una cosa así pusieron en evidencia la estupidez por detrás de una acción que hubiera podido ser grande y muy hablada en los medios de comunicación. Pero como dice una de sus publicidades recientes, será que “Smart critiques. Stupid creates”.


domingo, 21 de marzo de 2010

blanco y negro

Empieza hoy la primavera y, con ella, empieza también oficialmente la nueva temporada de moda. Lo que se presentó el pasado octubre en París, Londres, Milano y Nueva York tiene ahora luz verde para salir a la calle… si el tiempo deja. Hace por eso sentido echar un vistazo a algunas prendas fetiche que no pasarán desapercibidas esta nueva temporada. Cinco objetos de deseo en negro y blanco que cuanto más no sea por su color, o ausencia de él (en una temporada que los grandes creadores imaginarán tan colorida), llamaron nuestra atención.


Pisando fuerte

Este modelo de Christian Louboutin de piel, charol y malla en color crudo es, en mi opinión, uno de los pequeños lujos de la nueva estación. Un zapato que sigue con la tendencia de la androginia pero que por ser “abierto” de los lados aporta un punto de sensualidad extra, como pasó con los botines y botas por la rodilla Circus 120 Cutout de la temporada pasada.


C-Á-S-A-T-E C-O-N-M-I-G-O


Algunos anillos contienen un mensaje subliminal, otro lo dicen todo claramente. Es el caso de estos de la diseñadora Katarina Louise, que son piezas de Scrabble. Con esta bisutería podemos formar palabras, haciendo saber al mundo como nos sentimos en determinado día o cual es nuestro nombre, o podemos simplemente jugar con las letras sin construir ningún mensaje aparente. En cualquiera de los casos, tratase de una idea original que trae un nuevo sentido a la costumbre de comunicarse con las manos.


Desde Rusia, con amor

Esta matryoshka no es para decoración. Cuando la abrimos de dentro suyo no saltarán otras 5 matryoshkitas. Es un bolso de mano Chanel y, teniendo en cuenta lo que vale (se barajan cifras entre los 2.770 y los 5.211 euros) y sus dimensiones, una vez abierto de dentro suyo saltarán poco más que un Golden Visa, una Blackberry y una barra de labios.
Creado para la pre-colección París-Rusia del Otoño pasado, este bolso sólo será puesto a la venta a mitad de mayo. Así logró atención redoblada y adquirió el estatuto de must have por dos temporadas consecutivas. Y pensar que todo surgió con una idea de Karl Lagerfeld inspirada en la conmemoración del 10 Aniversario de Vogue Rusia y en el reto que la revista lanzó a algunos diseñadores de crearen para señalar la fecha una matryoshka exclusiva y pintada a mano. (Ver enlace)


El dispositivo puede ahora ser removido

Otro “detalle” que marcará la temporada es el Memory Stick que Swarovski creó para Phillips. Con nombre de chica, Laura es un pequeño robot pero también un USB con 2 GB de memoria que puede guardar hasta 500 canciones o 2000 fotos. Si no la utilizas, Laura parece tan simplemente una niña saltando a cuerda, pero cuando está transfiriendo datos sus orejas en LED se encienden. Un amuleto que, a la vez, resulta muy útil.


Para ocultar

Para lucir en los días de sol o para ayudarnos a esconder sentimientos, expresiones o miradas, estas gafas Stella McCartney en pasta negra y beige con las lentes grises son ideales. El modelo 4010 Khaki de la diseñadora inglesa tiene algo de vintage, por sus líneas y materiales, y mucho de moderno, por como se ve y por como hace que nos vean. El último de estos “pequeños” placeres primaverales, que ojalá todas nos los pudiéramos permitir.


sábado, 20 de marzo de 2010

serendipity

Aunque lo parezca no es una palabra, es una expresión y significa tan sencillamente lo que en castellano definiríamos como un descubrimiento fortuito o una feliz casualidad.

¿Cuántas veces podemos decir que sentimos algo así en nuestra vida? No muchas. Pero las suficientes para que todas sepamos que es, que se siente cuando nos atinge un flechazo por alguien o por algo.  

Ayer me pasó a mí. Sólo con verlo me enamoré. Lo encontré en una tienda de antigüedades en un callejón perdido de Gracia y no pude dejar de comprarlo.

Este collar rojo sobresalió en el medio de tantas velas, marcos, muebles, cojines, etc. No hacía mucho sentido allí pero en el momento en que le vi es como si todas las demás cosas de la tienda no merecieron la pena ser miradas. Si tenemos en cuenta que todo lo que hay allí es un hallazgo para cualquiera con un mínimo de gusto para decoración, podemos definir lo que me pasó como un caso típico de serendipity.

Cuando lo miramos de cerca nos damos cuenta que de hecho es muy simples, incluso fácil de hacerse, si uno tiene talento, tiempo y paciencia para las manualidades, pero puesto es como una cascada de coral granate colgada del cuello. Un “detalle” que aporta el punto de creatividad (y color) a una estación donde imperan los motivos marinos y las prendas navy. Y, aunque no quede muy bien decirlo, porque una vez que el collar era único y ya es mío puede parecer un poco pretencioso, lo encuentro también ideal porque se refiere al mar, se incluye en la tendencia, pero está suficientemente apartado de las prendas o accesorios clichés que vemos por todas partes.

Un pequeño amor a primera vista que, como los que ocurren entre las personas, no logramos (ni tampoco queremos) sacárnoslo de encima. Uno de esos ítems que cuando nos lo compramos nos sentimos tan felices que lo queremos llevar siempre y queremos que todo el mundo lo vea. Incluso escribimos sobre él en nuestros blogs…